日本全国の地方新聞の一面には、青と灰色、赤とピンクの色合いで 50 の異なる空が描かれ、それぞれがロタンダの湾曲した壁に影を落としています。
これは、東京国立博物館の歴史ある表技館への訪問者を迎える場面です。同館では現在、象徴的な宝石商メゾン カルティエの日本進出 50 周年を記念する大規模な新しい展示会が開催されています。
これらの絵画は、ニューヨークを拠点とする日本人アーティスト、渋谷翔によって制作されました。彼は祖国を旅して空の変化する色調と雰囲気を捉えました。この作品は、カルティエ財団が記念日を記念して依頼したいくつかの作品のうちの 1 つです。
日本におけるカルティエの50年
(画像クレジット: カルティエ提供)
これは、初期のジュエリー作品から 1974 年の東京初のブティックのオープンに至るまで、日本とジュエリー メゾンとの間の 50 年にわたる絡み合った物語を紐解く、精緻に精選された旅の入り口となります。 日本の現代アーティスト。
「ムスビ – 日本とその先におけるカルティエの半世紀：美と芸術の永遠の対話」と題されたこの展覧会は、スタジオ・エイドリアン・カーターによるビジュアルを用いて、歴史、革新、創造性を重ね合わせ、展示と表芸館の歴史的建造物をシームレスにバランスさせています。
言葉はコンセプトにとって重要です むすび – 寺院から着物に至るまで、日本の伝統文化によく見られる象徴的な結び目は、この文脈では「結ばれることによって生み出される神聖な精神の力」として解釈されます。
その最終結果は、日本とカルティエのつながりを巡る交響的な旅となり、ジュエリーハウスと日本のアーティストの点呼によってデザインされた数十年にわたる創作活動を通じた現代美術財団の旅の創造的遺産である。
大きな柱廊玄関の謎の時計
(画像クレジット: カルティエ提供)
過去 50 年を振り返り、カルティエのイメージ、スタイル、伝統のディレクター、ピエール ライネロは壁紙*に次のように語っています。「カルティエの日本への関心は非常に早くから始まりました。 しかし、1974 年以来日本にいることで、多くのことが変わりました。 単なる事業債ではありません。 日本は現代生活の縮図であり、私たちの存在は世界に対する私たちの認識に大きな変化をもたらしました。
彼は、これら 2 つの世界の間で共有される時代を超越した価値観と美の概念について次のように付け加えています。「この美の感覚が、優れた職人技の概念に結びついているということです。」 そして、「アクシデンタル・ビューティー」です。 これは日本の陶芸にも見られますが、そこではすべてをマスターするわけではなく、焼成中の色や顔料の変化を受け入れ、それを評価します。 この考え方はカルティエにもあります。 宝石商であれば、石に関する不幸を受け入れることになります。 自然の美しさを受け入れることは、そこにあるものを受け入れることを意味します。」
(画像クレジット: カルティエ提供)
ヘレン・ケルマッハーが手掛けた展示会に入ると、表題館の 2 つの平行な翼が 2 つの異なる物語を語ります。 訪問者は中央の空を満たすロタンダから右に曲がり、第 1 部「カルティエと日本、芸術と美へのトリビュート」を探索します。
ここでは、繊細な照明が照らされた 100 年前の空間に、カルティエ コレクションの約 120 点と、個人融資およびカルティエのアーカイブからの 50 点の作品が、曲線を描く石の階段で結ばれた 2 つのレベルに展示されています。
出発点は、19 世紀後半のジャポニズムの開花でした。この運動は、メゾンの創設者の息子であり、日本の美術品や書籍の熱心なコレクターであったルイ カルティエの創作活動に深く影響を与えましたが、彼は直接日本を訪れたことはありませんでした。
展示されている傑作の中には、1907 年に作られたブローチがあり、その流れるようなプラチナ、ゴールド、ダイヤモンド、輝くルビーの絡み合ったラインが、古典的な日本の結び目のモチーフを作り出しています。
ロック クリスタル、ダイヤモンド、オニキスのフォルムを備えた精密に作られたミステリー ウォッチの 1923 年ポルティーク シリーズには、さらなる日本への反映が見られます。 とり 伝統的な寺院の門。
カルティエの日本における初期の再デザインは、1912 年のゴールドのタバコ箱の幾何学模様にも反映されています。 1925 年の明るい桜の流れをモチーフにしたブレスレット。 1950 年のゴールド、サファイア、エメラルドのリップスティック ホルダーの表面はオーガニックな竹からインスピレーションを受けています。
この展覧会は、パリのルー・ドゥ・ラ・ペ・ブティックを模倣したファサードと緑豊かなミステリー・ガーデンを備えた最初の店舗が、トレンドの発信地である東京の原宿にオープンした1974年に、日本とカルティエのクリエイティブな相乗効果がどのように新たな高みに達したかをさらに強調しています。 。
さらに、京都の太興寺で開催された2004年のエットーレ・チョツァスの没入型キュレーション・ヴィジョンや、氷河館での吉岡徳仁の体験型ホログラフィック展覧会など、長年にわたって日本でカルティエが開催した展覧会の再現にも注目が集まっています。
一方、表義館の左翼は、影響力のあるカルティエ財団の来日を振り返り、「カルティエ・プール・ラル現代美術財団と日本の芸術家たち：終わりのない対話」を企画している。 1984 年の設立以来、創造的な自由に根ざしたコラボレーションを通じて、現在広く評価されている一連の日本人アーティストを世界的な注目を集めてきました。
(画像クレジット: カルティエ提供)
展覧会のこの章は、28 人のアーティストによる 150 点の作品で構成される、カラーと臨場感あふれるインスタレーションで展開します。その出発点は、有名な洋光忠則の大胆なシグネチャー ストロークで描かれた一連の注目のアーティストのポートレートです。
境界の探求的な曖昧さは、三宅一生や北野武などのアーティストの初期のランドマークであるカルティエ展のインスタレーションにも明らかです。 万華鏡のような写真の旅は、杉本博司、荒木経惟、河内凛子などの著名人のビジョンを通して生み出されます。
その他のハイライトには、宮島達男の 1996 年のデジタル数字アートワーク「深禅仏教にインスピレーションを得た空虚」が含まれます。 時は巡る （日本初公開）と森山大度の2016年のスライドショーの生のモノクロエッジ。 犬と網タイツ。
カルティエ現代美術財団の国際理事であるエルヴェ・シャンデスにとって、旅の出発点は、1990年代に六本木の書店で一連の日本人アーティスト（森山、横尾、荒木）を予期せず発見したことであった。
彼は、新しい展覧会で日本人アーティストの多様なコレクションを貫く糸について壁紙*に次のように語っています。「彼ら全員を結びつける言語の特異点があります。」 横尾さんはユニークですね。 タイトーはユニークです。 信吉はユニークだ。 それは好みの問題ではありません。彼らは皆、特定のビジョンを持って言語を発明しました。 彼らは深いコミットメントを持った真のアーティストです。」
さらに、「過去40年間で芸術作品、社会、問題は変化したかもしれないが、財団の活動は依然として同じ考え、つまり芸術家に自由を与えるという考えに基づいている」と付け加えた。 制限なし。 この展覧会が、訪れる人々の興味をさらに刺激してくれることを願っています。」
展示会で注目を集めた人物は、財団の最新発見の 1 つです。渋谷翔と彼の作品です。 日本空五十景のような初期の旅行アーティストの足跡をたどるというアイデアに触発されたクリエイティブな旅 浮世絵 木版画の巨匠、歌川広重。
「旅行とアートの創作を同時に行うというアイデアが大好きです」と渋谷はWallpaper*に語ります。 「そこで、他のアーティストが過去に行ったように、私は日本のすべての都道府県を旅して絵を描きました。 松尾芭蕉が日本各地で詩を詠んでいた頃、北斎も富士山を錨として同様のことを行いました。
ニューヨークのパンデミック中に、新聞の一面に空を描くという毎日の儀式がどのようにして始まったかを説明し、「それは私を正気に保つ習慣だった」と付け加えた。 まるで瞑想のようでした。
「私にとって永遠のものは何もありません。 今から100年後、この記事は違ったものになっているでしょう。 変化し、老化していきます。 内側は同じですが、外側では私たちは皆年をとっています。 私にとって、それが人生の美しさなのです。」
「ムスビ – 日本とその先におけるカルティエの半世紀: 美と芸術をめぐる永遠の対話」は、東京国立博物館の平工研で7月28日まで開催される。
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